La Renaissance italienne voit émerger un système artistique innovant dont nous en sommes les héritiers aujourd’hui, comme le statut de l’artiste et le mécénat culturel. Ces deux approches se concrétisent durant la Renaissance italienne, l’artiste acquiert un statut à part entière et le mécénat se développe grâce à la grande noblesse. Enfin, l’esthétisme de cette époque se fonde sur deux grands principes : reprendre les préceptes fondamentaux anciens en y intégrant de nouveaux sujets et l’invention de la perspective.

L’âge d’or de la peinture flamande est le nom donné à la peinture néerlandaise durant le XVIIe siècle, appelé Siècle d’or. Ce renouveau de la peinture hollandaise est associé à un fort essor économique connu par les Pays-Bas depuis leur indépendance. On compte alors parmi les peintres flamands les peintres les plus connus et les plus doués de l’histoire de l’art, tels que Petrus Paulus Rubens, Jan Van Eyck ou encore Johannes Vermeer. Ce dernier, né en 1632 et mort en 1675, est considéré comme le “maître de la lumière hollandaise”, si bien que sa célèbre Jeune fille à la perle est parfois qualifiée de “Joconde du Nord”.

La spiritualité du romantisme allemand entraîne le spectateur dans des émotions à la fois profondes, romanesques et mélancoliques. La nature, Dieu et l’Homme ne font alors plus qu’un. Cette spiritualité n’est pourtant pas dénuée de réflexions rigoureuses en termes de composition, et les personnages y ont une place importante. Le romantisme allemand pose également les bases de la relation avec le regardeur. Caspar David Friedrich, artiste phare de ce courant, devient le représentant de cette nature contemplative peinte, comme un hommage au divin.

La peinture a régné sur les techniques artistiques pendant plusieurs millénaires. Puis, très rapidement, et brusquement, celle-ci a perdu de sa gloire, pour être considérée comme obsolète durant la seconde moitié du XXe siècle, sans pour autant disparaître. Aujourd’hui, la peinture révèle sa puissance ancestrale au sein des jeunes générations d’artistes. Leur capacité à renouveler les pratiques et à intégrer les matières est démultipliée. Les artistes intègrent les progrès techniques mais ils ont souvent recours au passé. Inscrite dans une société en construction, toujours en quête de vitesse et de nouveaux médias, quel constat peut-on dresser de la peinture contemporaine ?

Études et analogies du "noble art", autrement dit de la boxe, à travers les dimensions plastique et artistique. S'il est vrai que certains boxeurs tendent à faire de leur pratique un art davantage qu'un sport, il est tout aussi intéressant de voir que certains artistes considèrent leur pratique comme un combat avec la matière. La boxe et l'art deviennent alors les lieux privilégiés des antagonismes : reflets de la vie et de la mort, de la vulnérabilité de l'Homme, mais aussi de son courage et de son penchant à l'autodestruction. Un cheminement se poursuivant vers une fine exploration de l'imagerie des boxeurs dans l'histoire de l'art, allant de l'antiquité à de nos jours à travers les représentations iconographiques de la Grèce antique, la photographie contemporaine, le cinéma et les arts du spectacle. Pour enfin terminer sur un quiz des termes empruntés à l'univers de la boxe dans notre quotidien (monter sur le ring, mettre K.O., jeter l'éponge ...etc.) ainsi que leur définition.

Dans le domaine de l’art, le terme anglais ready-made fut utilisé pour la première fois par Marcel Duchamp en janvier 1916, pour désigner certaines de ses œuvres réalisées depuis 1913. Cet artiste a révolutionné l’histoire de l’art en affranchissant l’artiste du devoir de fabrication manuelle pour concentrer la création dans le travail de conception. Dans cette ère en plein essor industriel, la création n’est plus nécessaire à l’artiste pour s’exprimer ; il montre l’objet. En effet, Marcel Duchamp utilise des objets du quotidien et les élève au statut d’œuvre d’art. Il sera suivi par de nombreux artistes et laissera un héritage encore présent de nos jours.

Une des plus célèbres écoles d’art et de design, créée par un designer allemand, Walter Gropius, en 1919. Plus qu’un établissement axé sur l’architecture, c’est une pensée artistique et un style qui s’est mit en marche aussi bien dans les arts du spectacle que dans les arts visuels. De nombreux artistes et théoriciens de l’art reconnus sont passés par cette école pour parfaire leurs travaux. Fondée sur l’idée de “construction”, l’École du Bauhaus n’a jamais modifié son fonctionnement durant ses 14 années d'existence.

À la suite d’une longue tradition d’œuvres d’art peintes, sculptées ou encore gravées, nous nous interrogeons sur le statut de la photographie d’aujourd’hui. A-t-elle sa place dans le monde de l’art ? Quel regard portons-nous sur ce médium familier dont l’évolution bouscule les usages ?

Deux personnalités opposées, ancrées solidement dans leur époque. Et pourtant deux peintres dont les similitudes peuvent être aisément relevées : les personnages isolés, les scènes de rue sombres, hitchcockiennes, les ambiances latentes, comme suspendues. Le traitement de la peinture est quant à lui différent, il est fidèle à ces deux personnalités d’artistes.